Asumo el nombre AURA no como firma, sino como posición: una declaración ontológica sobre dónde reside la potencia de la obra de arte y cómo opera.
A lo largo de mi práctica, una misma pregunta ha persistido bajo formas distintas: qué permanece de una obra cuando abandona la singularidad material en la que surgió y comienza a existir sobre otras superficies, en otras escalas y bajo condiciones perceptivas que ya no dependen de su primera aparición. Esa permanencia reside en la organización interna de la imagen, en la articulación singular mediante la cual línea, color, figura, vacío y proporción constituyen una estructura capaz de conservar su fuerza a través de manifestaciones sucesivas. En esa consistencia sitúo el aura, entendida como aquello que permite a la imagen atravesar transformaciones materiales sin perder su capacidad de afectar la percepción y poner el pensamiento en movimiento.
El lienzo original constituye, desde esta perspectiva, una existencia concreta de la obra, pero su vida no se agota en las condiciones materiales de esa primera aparición, porque tampoco puede suponerse que en ellas queden contenidas de una vez y para siempre todas sus posibilidades perceptivas. Una impresión, una proyección, una pantalla o cualquier otra forma de reproducción introduce diferencias reales de escala, luminosidad, textura y duración que inevitablemente transforman la experiencia de la imagen; algunas relaciones pueden perder intensidad, mientras otras, antes subordinadas por las condiciones del original, adquieren una presencia que permite advertir correspondencias, tensiones o recorridos que no se ofrecían con la misma evidencia. La diferencia introducida por la reproducción deja entonces de poder comprenderse exclusivamente como una pérdida, pues aquello que se modifica respecto del original puede convertirse, bajo otras condiciones de aparición, en la posibilidad de que la obra haga perceptible algo que anteriormente permanecía latente.
Esta posibilidad obliga a distinguir la materialidad irrepetible del original de la capacidad de la obra para continuar desplegándose más allá de ella. La reproducción no conserva intacta la experiencia originaria, pero tampoco necesita hacerlo para preservar la potencia de la imagen; al trasladarla hacia otras condiciones perceptivas, puede activar relaciones que pertenecían a su organización y que adquieren, en esa nueva aparición, una intensidad diferente. La continuidad de la obra no depende, por tanto, de la repetición de una experiencia idéntica, sino de la persistencia de una estructura capaz de atravesar esas transformaciones y seguir produciendo nuevas posibilidades de pensamiento. Es precisamente en esa capacidad donde sitúo el aura: no como una cualidad confinada a la presencia irrepetible del original, cuya reproducción conduciría necesariamente a su deterioro, sino como una potencia de la imagen que puede extenderse mediante sus sucesivas manifestaciones y ampliar, a través de ellas, aquello que la obra es capaz de hacer visible, pensable y sensible.
Desde esta perspectiva, el nombre AURA recoge un concepto históricamente vinculado a la singularidad irrepetible del original, pero adquiere en mi obra un sentido diferente, porque la materialidad originaria constituye una de sus formas de existencia sin contener por ello la totalidad de aquello que la imagen puede llegar a desplegar. Al atravesar soportes, escalas y contextos, la obra ingresa en nuevas condiciones de aparición que transforman nuestra relación con ella y pueden conferir mayor intensidad a elementos, correspondencias o tensiones que su primera manifestación no hacía igualmente evidentes. La reproducción adquiere entonces otro sentido, pues la distancia respecto del original deja de medirse únicamente por aquello que se modifica o se pierde en la transferencia y permite considerar también aquello que cada nueva aparición revela, intensifica o vuelve posible. Es en esa continuidad atravesada por la diferencia donde sitúo el aura, como una potencia que no permanece confinada a la materia inaugural de la obra, sino que puede desplegarse a través de sus sucesivas manifestaciones, ampliando las relaciones, lecturas y resonancias que la imagen es capaz de suscitar.
Por esta razón, sitúo el aura en la densidad interna de la obra, entendida como la interdependencia que se establece entre sus componentes, donde cada elemento adquiere su función en correspondencia con los demás, de manera que cualquier variación repercute sobre la configuración del conjunto. La dirección de una línea puede modificar el recorrido de la mirada y alterar, a partir de ese desplazamiento, la relación que una figura mantiene con aquello que la rodea, del mismo modo que una variación cromática puede conferir otro peso a determinadas zonas y modificar los vínculos que mantienen entre sí; la imagen adquiere así consistencia a través de una organización en la que sus componentes no producen efectos aislados, sino que actúan recíprocamente y hacen que cada intervención repercuta sobre la totalidad de la composición. Es precisamente en este punto cuando la densidad interna deja de remitir únicamente a la cohesión de la imagen, porque las relaciones entre sus componentes pueden dar lugar a implicaciones que no fueron concebidas de manera aislada ni previstas enteramente durante su creación. Una vez articulados dentro de la obra, los elementos dejan de remitir únicamente a las decisiones que los introdujeron y comienzan a determinarse recíprocamente, haciendo surgir sentidos que proceden de la relación establecida entre ellos y que ninguno poseía de manera independiente. Es en esta capacidad de la obra para alcanzar sentidos que no pueden reducirse enteramente a las intenciones que acompañaron su creación donde reconozco la dimensión pensante de la imagen.
El aura reside en la densidad interna de la obra, allí donde su organización puede persistir a través de distintas manifestaciones y alcanzar sentidos que no quedan enteramente determinados por la intención que la originó.
La circulación adquiere entonces una importancia estética que desborda la mera difusión, en la medida en que cada nuevo encuentro permite a la imagen ingresar en horizontes de experiencia desde los cuales su sentido puede adquirir otras derivaciones e incorporarse a formas de comprensión ajenas al contexto en que fue creadaLa accesibilidad extiende de este modo la existencia de la obra al ponerla en contacto con miradas capaces de inscribirla en secuencias de pensamiento diferentes, de modo que la democratización del acceso favorece el despliegue del aura al multiplicar las circunstancias en las que la obra continúa actuando. Su propagación incrementa la diversidad de esos encuentros y permite que una misma obra atraviese tiempos distintos, incorporándose a formas de comprensión propias de cada época sin quedar agotada por ninguna de ellas.
Esta relación entre la circulación y el despliegue del aura encuentra una expresión concreta en mi trabajo cuando la obra se incorpora a soportes vinculados al uso cotidiano; en estos casos, la nueva materialidad que adquiere la obra introduce una forma particular de circulación que le permite ingresar en ámbitos no destinados a la exhibición artística y alterar, desde allí, la relación convencional entre la obra, el espacio y quienes entran en contacto con ella, pues su recepción deja de depender de una aproximación deliberada al arte y puede acontecer en el curso mismo de la vida diaria. Esta operación invierte el recorrido establecido por Duchamp con el readymade: mientras allí el objeto de uso fue trasladado al campo del arte y adquirió, mediante ese gesto, la condición de obra, en mi trabajo es la obra ya constituida la que se incorpora al objeto de uso y se desplaza con él por el ámbito cotidiano, sin que este pierda la función que le es propia. El aura, al no quedar confinada a un soporte determinado, permanece inherente a la obra aún cuando esta circula bajo distintas condiciones materiales, de manera que su condición artística no queda subordinada a la naturaleza del objeto al que se incorpora ni requiere que los espacios que atraviesa hayan sido previamente destinados al arte. Es precisamente de esta autonomía de la obra de donde surge mi concepto de arte en movimiento, apelando a que el arte puede incorporarse plenamente a la vida cotidiana sin exigir que aquello que lo recibe abandone su función o adquiera previamente un estatuto artístico.
Esta posibilidad lleva hasta sus últimas consecuencias la concepción del aura que atraviesa mi trabajo: si aquello que constituye a la obra permanece activo más allá de su materialidad originaria, su existencia tampoco concluye en el objeto que la contiene ni en el instante en que se produce su encuentro con el espectador. Puede abandonar el muro, atravesar una pantalla, incorporarse a un objeto de uso, permanecer en la memoria y reaparecer años después en una discusión que nunca conoció su contexto original. La obra persiste también en aquello que es capaz de suscitar más allá de su presencia inmediata, en las relaciones, interrogaciones y desplazamientos que continúa produciendo una vez retirada de la mirada.
Mientras la organización interna de la obra conserve la capacidad de suscitar una nueva pregunta, alterar una percepción o abrir una fisura en aquello que parecía ya comprendido, su potencia continúa actuando. Su duración alcanza también esas consecuencias invisibles: aquello que permanece en el pensamiento, reaparece bajo otras circunstancias o establece relaciones que todavía no existían cuando fue creada.
Una obra no termina en los límites de su materia ni se extingue cuando la mirada se aparta. Algo de ella prosigue, atraviesa el tiempo y encuentra otras formas de presencia. A esa fuerza que permanece sin quedar inmóvil, que perdura sin agotarse en ninguna de sus manifestaciones, la llamo AURA.